Pablo Helman, el argentino detrás de los efectos de ‘Wicked’: “Mi trabajo es mostrar algo que nadie haya visto”
Con casi tres décadas instalado en Hollywood, más de treinta películas y cuatro nominaciones al Oscar, el artista contó a El Marplatense cómo fue realizar trabajar en “Wicked: por siempre”.
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Una revuelta de clones en un mundo intergaláctico, una invasión alienígena comandada por Steven Spielberg, un grupo de mafiosos históricos registrados por la cámara de Martin Scorsese, una reina y una bruja mala en las tierras de Oz. ¿Qué tienen en común el Episodio II de Star Wars, Guerra de los mundos, El irlandés y Wicked? Que todas fueron nominadas al Oscar por sus efectos especiales. Pero hay una coincidencia más: que sus efectos fueron coordinados por un especialista argentino, Pablo Helman, quien desde 1996 se encuentra trabajando en la principal industria cinematográfica del mundo. Ahora, con el estreno de Wicked: por siempre, repasó con El Marplatense cómo fue el trabajo que desarrolló junto al director Jon M. Chu: “La parte más difícil de hacer fueron las dos mil tomas que hubo de efectos visuales y tratar de trabajar con mil artistas de efectos visuales. Hay que tener la comunicación y dominar el trabajo, o si no, no lo terminás”.
Con un pasado musical como baterista de la icónica banda de rock argentino Los Moros, Helman se instaló en Estados Unidos y desembocó en el fascinante universo de las imágenes generadas por computadora. Con más de treinta películas en su haber, aseguró que lo suyo es por un lado “la innovación”, pero por otro el “contar un cuento”. Y en el musical basado en los personajes de El mago de Oz, con Cynthia Erivo como la bruja Elphaba y Ariana Grande como la reina Glinda, hay varios aspectos que comienzan por la tecnología pero que decantan en el noble arte de la narración. Por ejemplo, Helman calificó como “un personaje más” a la capa Elphaba: “Es heroica, es elegante, cuenta la historia de transiciones. A veces la transición de una escena a otra es la capa. En ese sentido, Jon M. Chu nos dio el lugar para hacer efectos visuales que cuentan una historia”.
Apasionado con su trabajo, Helman vuelve una y otra vez a la idea de que los efectos especiales no son sólo un adorno sino un elemento que sirve para narrar. En ese sentido puso como ejemplo la compleja escena de The girl in the bubble, un momento destacado de la película en el que Glinda se deconstruye a través de espejos y Ariana Grande brilla con su interpretación. “Es una secuencia de cuatro minutos con un montón de espejos y la cámara va de un lugar a otro. Todas las reflexiones fueron filmadas independientemente de las otras, porque la cámara no puede ir por el espejo. Entonces fue una cosa técnica muy, muy difícil, que se empezó a hacer hace mucho tiempo”, explicó.
-De cara a la segunda parte de Wicked, cuáles fueron los desafíos que se plantearon en relación con la película, teniendo en cuenta que la primera ya había sido destacada por su aspecto visual y por sus efectos digitales.
El principio de la película fue importante en cuestión de efectos visuales, porque filmamos en un campo completamente abierto, donde no había mucho, nada más un campo, especialmente en Inglaterra, que la luz es bien difusa. Con todas las criaturas que estaban en el principio de la película. Después hay otra secuencia que se llama No place like home, que también fue una secuencia que tuvo un montón de criaturas que fueron todas en efectos visuales. Cuando la filmamos, hubo una compañía de gente que trabajaba como si fueran animales para interactuar con los actores, pero después empezamos con más o menos unos quince animales y terminamos con cientos de animales. Entonces fue una cosa bastante difícil de hacer. Después la secuencia de No good deeds, en la que Elphaba se convence de que ella es la bruja. Es un momento muy importante en el arco del personaje y fue una secuencia muy importante porque cuando filmamos nada más había tres o cuatro cosas de escenario, muy poquito, y era una secuencia de pantalla azul con todos los monos, con la luz, con el entorno de toda esa secuencia que directamente se ve en el background, que está alrededor de ella. En realidad todo el entorno de Oz: se ven las cataratas de Oz que fueron en la primera película, se ve el desierto que va a ser al final de la segunda película, es decir que un montón de cosas tuvieron que hacerse.
-Cuando tenés que intervenir imágenes que pertenecían a El mago de Oz, una película casi centenaria, ¿cómo se toma ese trabajo? ¿Cuánto intervenís sobre las imágenes ya creadas y cuánto te permitís innovar?
Mi trabajo es innovación. Generalmente mi primera reunión con un director tiene que ver con que el director dice: ‘Quiero que me des algo que nadie haya visto antes’. Ese es mi trabajo. Por eso a veces me preguntan si vi tal o cual película y no la vi. No la quiero ver tampoco, hasta que no termine un trabajo, porque no quiero que eso influya en lo que yo hago. Aparte, está innatamente en el guion, en el sentido de que es un punto de vista completamente diferente de otros puntos de vista acerca de la historia. Y a pesar de ser la historia de El mago de Oz o de Dorothy, es: ‘¿Qué pasa detrás de esta historia? ¿Cuál es la pregunta detrás de la pregunta?’. Pero el director tiene que darte la premisa y el permiso de hacer ese tipo de cosas. Si no tenés el permiso y la confianza del director, entonces es un trabajo bastante difícil. Jon M. Chu fue una persona que tuvo mucha confianza en nosotros y en mí. Por empezar, es una muy buena persona. Y después de 30 años te puedo decir que para mí lo más importante es trabajar con gente con la que quieras trabajar.
-¿Creés que aún hay lugar para la innovación en materia de imágenes? Más allá de la tecnología, ¿todavía es posible impactar al espectador con algo nuevo?
Sí, hay tiempo para innovar. Eso es parte de mi trabajo y por eso me contratan. A toda la gente, en realidad. Tu trabajo es ser innovador, ser creativo, traer diferentes perspectivas a una solución, ser inclusivo, tener una visión amplia. Yo escucho mucho, uso mis oídos mucho, porque me interesa ver qué es lo que la gente alrededor mío está pensando, qué es lo que me están ofreciendo. Pero es ser creativo, es encontrar soluciones a veces en la parte creativa. Por ejemplo, usar efectos visuales para contar el cuento. Un ejemplo perfecto es una escena en la que Glinda canta una canción que se llama I couldn't be happier. En realidad, cuando ella canta eso, lo que quiere decir es exactamente lo opuesto, que no está feliz. Al principio la cámara está fuera de ella, está detrás de ella mirando a cientos de personas. En ese momento, la cámara es un testigo de lo que está pasando. Cuando la cámara da vuelta y se encuentra con un close-up, en realidad vas adentro de ella y ella está diciendo que no está feliz. Entonces el confetti y todo eso que está alrededor de ella, que está en el aire, tiene otra velocidad. En ese momento, los efectos visuales están contando la historia de lo que está pasando dentro de ella. Eso es muy difícil de hacer, porque generalmente los efectos visuales son para explicar todo lo que pasa alrededor, una cosa geográfica. Pero en ese momento, los efectos visuales están contando ese cuento.
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